Formation écriture scénario

Leçon 1 • Écrire votre première scène

Applique toutes les règles de formatage pour rédiger une scène unique et complète. La révision par les pairs introduit des habitudes précoces de retour d’information.

Leçon 2 • Logiciels et outils du secteur

Passe en revue les applications professionnelles d’écriture scénaristique et leurs fonctions de formatage automatique. Réduit les frictions techniques pour que les étudiants se concentrent sur l’artisanat.

Leçon 3 • Les cinq éléments du scénario

Présente les en-têtes de scène, les axes d’action, les didascalies de personnage, le dialogue et les transitions. Les étudiants s’entraînent à identifier et à écrire chaque élément de manière isolée.

Leçon 4 • Règles fondamentales de formatage

Couvre les marges, la police et le placement des éléments selon les normes du secteur. Un formatage correct témoigne d’un professionnalisme et garantit un minutage précis entre la page et l’écran.

Leçon 1 • Fondamentaux de la structure en trois actes

Projette la mise en place, la confrontation et la résolution sur le nombre de pages et les points de bascule. Fournit le squelette structurel que les étudiants utiliseront tout au long du cours.

Leçon 2 • Générer des concepts d’histoire viables

Enseigne des méthodes pour trouver et tester des idées d’histoire avant de s’engager dans le développement. De bons concepts réduisent les problèmes structurels en aval.

Leçon 3 • Écrire une accroche convaincante

Décompose la formule de l’accroche : protagoniste, objectif, force antagoniste et enjeux. Une accroche solide guide chaque décision structurelle qui suit.

Leçon 4 • Construire une feuille de rythme

Traduit le modèle structurel choisi en une feuille de rythme scène par scène pour le concept original de l’étudiant. Sert de plan directeur pour le script complet.

Leçon 1 • Commercialisabilité et conscience du marché

Introduit le concept de viabilité commerciale d’un script sans sacrifier l’intégrité artistique. Couvre la conscience budgétaire et le positionnement du public.

Leçon 2 • Comprendre les conventions de genre

Cartographie les scènes obligatoires, les types de personnages et les récompenses émotionnelles propres aux genres majeurs. La connaissance des genres évite les erreurs structurelles coûteuses.

Leçon 3 • Le thème comme argument structurel

Définit le thème comme l’argument central du script, et non comme un sujet ou une morale. Montre comment le thème façonne les décisions des personnages et les résultats des scènes.

Leçon 4 • Ton, atmosphère et cohérence tonale

Établit le ton dans les premières pages et le maintient tout au long du script. L’incohérence tonale est une raison courante pour laquelle les scripts sont refusés.

Leçon 1 • Principes de conception du protagoniste

Définit le rôle du protagoniste comme moteur de l’histoire. Couvre le désir vs. le besoin, le défaut fatal et la relation entre le personnage et l’intrigue.

Leçon 2 • Antagonistes et forces d’opposition

Examine comment les antagonistes créent un conflit significatif en s’opposant directement à l’objectif du protagoniste. Couvre les antagonistes humains, systémiques et internes.

Leçon 3 • Arc du personnage et transformation

Cartographie le changement interne qu’un personnage subit de l’acte un à l’acte trois. Aligne l’arc émotionnel sur l’arc de l’intrigue externe.

Leçon 4 • Rédiger le profil du personnage

Synthétise tous les éléments du personnage dans un document de profil structuré. Les profils servent d’outil de référence lors de la rédaction pour maintenir la cohérence.

Leçon 1 • Séquençage des scènes et dynamique

Examine comment les scènes s’enchaînent pour créer une dynamique croissante au sein d’un acte. Couvre le lien de cause à effet et la variation tonale entre les scènes.

Leçon 2 • Sous-texte et signification en couches

Enseigne l’écriture de dialogues et d’actions où le sens apparent diffère de l’intention réelle. Le sous-texte crée une tension dramatique et récompense un public attentif.

Leçon 3 • Écrire pour la caméra

Montre comment suggérer la narration visuelle sans mettre en scène sur la page. Enseigne l’économie de la description et l’utilisation de détails spécifiques et évocateurs.

Leçon 4 • Rédaction et révision de scènes

Applique tous les principes de construction de scènes dans un cycle de rédaction et de révision. La critique structurée par les pairs se concentre sur les points de bascule et le sous-texte.

Leçon 1 • Principes du dialogue cinématographique

Distingue le dialogue cinématographique de la parole réaliste et du dialogue théâtral. Établit l’économie, l’objectif et le sous-texte comme les trois principes directeurs.

Leçon 2 • Différencier les voix des personnages

Développe des schémas de langage, un vocabulaire et un rythme distincts pour chaque personnage. Les lecteurs doivent identifier les locuteurs sans lire la didascalie de personnage.

Leçon 3 • Silences, pauses et battements non verbaux

Explore comment le silence et les battements d’action au sein des scènes de dialogue créent du sens. Enseigne l’utilisation parcimonieuse des indications de jeu et le pouvoir du non-dit.

Leçon 4 • Atelier de révision du dialogue

Les étudiants appliquent tous les principes du dialogue pour réécrire une scène faible fournie. Se concentre sur la coupe, la différenciation des voix et l’intégration du sous-texte.

Leçon 1 • Terminer et soumettre le brouillon

Aborde les points de blocage courants et les stratégies pour terminer dans les délais. Les étudiants soumettent le brouillon complet pour examen par l’instructeur.

Leçon 2 • Rédiger l’acte trois

Livre le climax et la résolution avec une récompense émotionnelle méritée. Couvre les techniques de rappel et l’image de clôture.

Leçon 3 • Rédiger l’acte un

Se concentre sur l’établissement du monde, du personnage et du ton dans les premières pages. Couvre l’incident déclencheur et la coupure de fin d’acte un.

Leçon 4 • Se préparer à la rédaction

Convertit la feuille de rythme en une liste de scènes et établit un calendrier d’écriture quotidien. La préparation réduit la paralysie de la page blanche et maintient la dynamique.

Leçon 1 • L’état d’esprit du réécrivain

Recadre la réécriture comme le cœur du métier de scénariste professionnel, et non comme une réflexion corrective après coup. Couvre le détachement émotionnel et l’auto-évaluation objective.

Leçon 2 • Intégrer les notes et les retours

Enseigne comment évaluer, prioriser et appliquer les notes des lecteurs et des instructeurs. Distingue les notes utiles des préférences personnelles.

Leçon 3 • Passe de révision des personnages et du dialogue

Audite la cohérence des personnages, l’achèvement des arcs et la qualité du dialogue dans l’ensemble du script. Garantit que chaque personnage sert l’argument central de l’histoire.

Leçon 4 • Passe de révision structurelle

Évalue la structure macro du brouillon : coupures d’actes, point médian et séquençage des scènes. Identifie et corrige les trous structurels avant le travail au niveau de la ligne.