Formation animation

Leçon 1 • Rythme, espacement et poids

Explorez comment les intervalles d'images et l'espacement des objets définissent la masse perçue. Un rythme correct transforme un mouvement mécanique en une action physique convaincante.

Leçon 2 • Conception de pose et de silhouette

Les poses fortes communiquent l'intention du personnage en un coup d'œil. La clarté de la silhouette est analysée comme le principal test d'une animation lisible et expressive.

Leçon 3 • Les 12 principes fondamentaux de l'animation

Présentez les 12 principes définis par les animateurs classiques. Chaque principe est examiné comme un outil pratique pour communiquer le poids, l'émotion et l'intention.

Leçon 1 • Conception de décors et d'environnements

Les environnements établissent l'ambiance, l'échelle et le contexte spatial des personnages. La perspective et le contrôle des valeurs garantissent que les décors soutiennent l'action sans lui faire concurrence.

Leçon 2 • Dessin de geste et dessin de nu

Le dessin de geste rapide développe l'aisance à capturer le mouvement et le poids. Ces compétences alimentent directement les poses d'animation de personnages expressives.

Leçon 3 • Storyboard pour l'animation

Les storyboards traduisent les scripts en séquences visuelles avant le début de la production. La composition des plans, les angles de caméra et la mise en scène de l'action sont planifiés à ce stade.

Leçon 4 • Fiches modèles et rotations

Les fiches modèles standardisent l'apparence des personnages pour les productions multi-animateurs. Les rotations définissent le volume et la structure sous tous les angles de vue.

Leçon 1 • Paramètres de rendu et de sortie

Le rendu convertit les données de scène en images ou fichiers vidéo visualisables. La résolution, la fréquence d'images et les choix de codec affectent la qualité et la compatibilité de livraison.

Leçon 2 • Éditeur de courbes et manipulation des courbes

L'éditeur de courbes offre un contrôle précis de l'interpolation entre les images clés. La mise en forme des courbes met en œuvre directement les principes de ralentissement, d'accélération et d'assouplissement.

Leçon 3 • Interface logicielle et navigation

Maîtrisez la navigation dans les fenêtres, les panneaux d'outils et la personnalisation de l'espace de travail. Une utilisation efficace de l'interface réduit le temps de production et évite les goulots d'étranglement dans le flux de travail.

Leçon 4 • Images clés et timeline

Les images clés définissent les états de départ et d'arrivée du mouvement ; la timeline contrôle leur séquence. Un placement correct des images clés est le fondement de toute animation numérique.

Leçon 1 • Riggage de personnages 2D

Le riggage remplace les images redessinées par des pièces articulées réutilisables. Une construction de rig appropriée accélère la production tout en préservant la gamme expressive du mouvement.

Leçon 2 • Assemblage de scène et compositing

Les éléments animés, les décors et les effets sont combinés en scènes finales. L'ordre des calques, les modes de fusion et les mouvements de caméra complètent le pipeline de production 2D.

Leçon 3 • Animation faciale et synchronisation labiale

La performance faciale conduit la narration émotionnelle dans l'animation de personnages. Les formes de phonèmes sont mappées aux pistes de dialogue pour une synchronisation labiale précise et expressive.

Leçon 4 • Animation image par image

Dessiner chaque image individuellement produit un mouvement organique et expressif. Cette technique développe une compréhension approfondie du rythme et de l'espacement avant l'introduction du riggage.

Leçon 1 • Modélisation organique de personnages

Les maillages de personnages nécessitent un flux d'arêtes qui soutient la déformation naturelle au niveau des articulations. Les conventions de topologie de la tête, du torse et des membres sont appliquées à un personnage complet.

Leçon 2 • Fondamentaux de la modélisation polygonale

La modélisation polygonale construit des formes 3D en manipulant les sommets, les arêtes et les faces. Une topologie propre à ce stade évite les problèmes de déformation lors de l'animation.

Leçon 3 • Modélisation d'accessoires et d'environnements

Les accessoires et les décors établissent l'échelle et le contexte de la performance du personnage. Les techniques de modélisation de surfaces dures diffèrent des flux de travail organiques dans les priorités de flux d'arêtes.

Leçon 1 • Riggage facial et formes de mélange

Les rigs faciaux animent les expressions via des formes de mélange et des contrôles basés sur des os. La combinaison des deux systèmes permet d'atteindre la gamme nécessaire au dialogue et à la performance.

Leçon 2 • Skinning et peinture de poids

Le skinning lie le maillage au squelette afin que les articulations déforment la géométrie. La peinture de poids affine les zones d'influence pour éliminer les pincements et les affaissements.

Leçon 3 • Placement du squelette et des articulations

Le placement des articulations détermine les points de pivot de tout mouvement du personnage. Un positionnement anatomique précis évite les déformations non naturelles pendant l'animation.

Leçon 4 • Rig de contrôle et interface de l'animateur

Les objets de contrôle exposent la fonctionnalité du rig sans révéler la complexité sous-jacente. Une interface d'animateur propre réduit les erreurs et accélère la production.

Leçon 1 • Finition, spline et révision finale

La passe de finition affine les courbes, supprime les à-coups et ajoute des micro-détails à la performance. Les critères de révision finale garantissent que les plans répondent aux normes de production professionnelles.

Leçon 2 • Dialogue et synchronisation labiale en 3D

La synchronisation labiale 3D intègre les formes de mélange à la performance corporelle pour un jeu d'acteur unifié. L'analyse audio guide le rythme des phonèmes et les transitions faciales émotionnelles.

Leçon 3 • Jeu d'acteur et animation de performance

Le jeu d'acteur du personnage traduit le sous-texte et l'émotion en performance physique. L'analyse des plans et l'étude des références informent les choix concernant le geste et le rythme.

Leçon 4 • Blocage et planification des poses

Le blocage établit les poses clés et le rythme général avant le début du travail de détail. Un blocage solide évite les problèmes de performance fondamentaux dans les passes ultérieures.

Leçon 1 • Étalonnage et livraison finale

L'étalonnage unifie le ton visuel d'une séquence et la prépare pour la livraison. Les formats de sortie et la gestion de l'espace colorimétrique garantissent un rendu cohérent sur toutes les plateformes.

Leçon 2 • Fondamentaux de l'éclairage pour l'animation

Le placement de la lumière, la température de couleur et l'intensité définissent l'ambiance et la lisibilité. L'éclairage à trois points et ses variations sont appliqués aux configurations de personnages et d'environnements.

Leçon 3 • Compositing et effets visuels

Le compositing assemble les passes de rendu en une image unifiée avec des effets ajoutés. La profondeur de champ, le flou de mouvement et les effets d'objectif sont appliqués de manière non destructive.

Leçon 4 • Passes de rendu et AOV

Les passes de rendu séparent les éléments de la scène en calques d'image individuels pour le compositing. Les AOV donnent aux compositeurs un contrôle précis sur les calques de beauté, d'ombre et de réflexion.