Kurs Drehbuch schreiben

Lektion 1 • Grundlagen der Drehbuchsoftware

Behandelt branchenübliche Drehbuchanwendungen und deren Kernfunktionen. Der effiziente Einsatz von Werkzeugen beschleunigt den Entwurf und stellt die Formatkonformität automatisch sicher.

Lektion 2 • Die Rolle und das Handwerk des Drehbuchautors

Definiert die Funktion des Drehbuchautors in Film- und Fernsehproduktionsabläufen. Legt dar, warum Format und Disziplin im visuellen Erzählen nicht verhandelbare professionelle Standards sind.

Lektion 3 • Branchenübliches Drehbuchformat

Lehrt Schauplatzzeilen, Handlungsachsen, Dialogblöcke und Übergänge unter Anwendung professioneller Formatierungsregeln. Das korrekte Format signalisiert Professionalität und gewährleistet ein genaues Seiten-pro-Minute-Timing.

Lektion 1 • Gliederung und Beat-Sheets

Bietet praktische Methoden zur Erstellung detaillierter Gliederungen vor dem Entwurf. Eine starke Gliederung reduziert die Überarbeitungszeit und hält die Geschichte strukturell auf Kurs.

Lektion 2 • Alternative Strukturmodelle

Untersucht die Heldenreise, das „Save the Cat“-Beat-Sheet und Fünf-Akt-Strukturen im Fernsehen. Der Kontakt mit verschiedenen Modellen gibt Autoren flexible Werkzeuge für unterschiedliche Genres und Formate.

Lektion 3 • Nebenhandlungen und parallele Erzählstränge

Erklärt, wie Nebenhandlungen die Haupthandlung spiegeln, komplizieren oder kontrastieren, um das Thema zu vertiefen. Autoren lernen, mehrere Erzählstränge zu verweben, ohne die narrative Dynamik zu verlieren.

Lektion 4 • Prämisse, Thema und zentrale Frage

Lehrt, wie man eine Geschichte in eine einzige fesselnde Prämisse und ein thematisches Argument destilliert. Eine klare Prämisse leitet jede strukturelle und charakterbezogene Entscheidung im gesamten Drehbuch.

Lektion 1 • Protagonist- und Antagonist-Dynamik

Untersucht, wie Protagonist und Antagonist sich spiegeln, um den thematischen Konflikt zu schärfen. Starke Antagonisten sind aus demselben Begehren wie der Protagonist aufgebaut, verfolgen es jedoch anders.

Lektion 2 • Figurenbegehren, -bedürfnis und -makel

Unterscheidet zwischen dem, was eine Figur bewusst will, und dem, was sie unbewusst braucht. Diese Lücke erzeugt inneren Konflikt und erhält das Engagement des Publikums über das gesamte Drehbuch hinweg.

Lektion 3 • Charakterentwicklung und Transformation

Ordnet positive, negative und flache Charakterentwicklungen den strukturellen Wendepunkten zu. Autoren lernen, Entwicklungsmomente mit Handlungsereignissen zu verankern, damit die Transformation verdient wirkt.

Lektion 4 • Figurenrecherche und Authentizität

Behandelt Recherchemethoden zum Schreiben von Figuren außerhalb der eigenen Lebenserfahrung des Autors. Authentische Repräsentation stärkt die Glaubwürdigkeit und erweitert die Publikumsattraktivität des Drehbuchs.

Lektion 1 • Szenenziele und Konflikt

Jede Szene muss ein Figurenziel, ein Hindernis und ein Ergebnis haben, das die Geschichte verändert. Autoren lernen, diese drei Elemente zu identifizieren und zu schärfen, bevor sie eine Szene entwerfen.

Lektion 2 • Set-Pieces und Schlüsselszenen

Identifiziert wirkungsvolle Szenen, die den Ton und die Marktfähigkeit eines Drehbuchs definieren. Autoren lernen, Set-Pieces zu entwerfen und auszuführen, die gleichzeitig Genre und Figur präsentieren.

Lektion 3 • Tempo und Szenenrhythmus

Kontrolliert Szenenlänge, Weißraum und Satzrhythmus, um das emotionale Tempo zu modulieren. Autoren lernen, das Tempo bewusst zu variieren, anstatt es standardmäßig monoton werden zu lassen.

Lektion 4 • Betreten und Verlassen von Szenen

Lehrt das Prinzip, Szenen spät zu betreten und früh zu verlassen, um die Dynamik zu maximieren. Präzise Einstiegs- und Ausstiegspunkte beseitigen Leerlauf und sorgen dafür, dass die Leser umblättern.

Lektion 1 • Dialog laut lesen und überarbeiten

Nutzt Tischlesungen und Kaltlesungen, um unnatürliche Rhythmen und hölzerne Exposition zu identifizieren. Gehörbasierte Überarbeitung ist die schnellste Methode, um Dialog auf aufführungsreife Qualität zu polieren.

Lektion 2 • Exposition durch Dialog

Behandelt Techniken, um notwendige Hintergrundgeschichte zu liefern, ohne die dramatische Dynamik zu stoppen. Exposition wird in Konflikt, Humor oder Enthüllung versteckt, um Szenen lebendig zu halten.

Lektion 3 • Unverwechselbare Figurenstimme

Lehrt, wie Wortschatz, Syntax, Rhythmus und Ausweichmuster Figuren unterscheiden. Leser sollten jede Figur allein am Dialog identifizieren können, ohne den Figurennamen zu lesen.

Lektion 4 • Authentische Mundart schreiben

Behandelt Dialekt, Slang und zeitgenössische Sprache, ohne die Leser zu entfremden. Autoren lernen, Authentizität durch selektive Wortwahl statt durch phonetische Schreibweise anzudeuten.

Lektion 1 • Drama- und Thriller-Konventionen

Untersucht die strukturellen und tonalen Anforderungen von Drama- und Thriller-Drehbüchern. Spannungsmechanik, moralische Einsätze und Enthüllungs-Timing sind die zentralen handwerklichen Werkzeuge für beide Genres.

Lektion 2 • Komödienstruktur und Timing

Analysiert komödiantische Struktur, Witz-Architektur und die Dreierregel im Drehbuchschreiben. Komisches Timing auf der Seite wird durch Zeilenlänge, Abstände und Beat-Platzierung erreicht.

Lektion 3 • Genre als Vertrag verstehen

Begreift Genre als ein Versprechen an das Publikum, das eingehalten und strategisch unterlaufen werden muss. Autoren lernen, Genre-Konventionen zu identifizieren, bevor sie entscheiden, welche sie beibehalten oder brechen.

Lektion 4 • Horror-, Sci-Fi- und Fantasy-Weltregeln

Behandelt, wie spekulative Genres intern konsistente Weltregeln erfordern, die früh etabliert werden. Das Brechen etablierter Regeln zerstört das Publikumsvertrauen und lässt die narrative Glaubwürdigkeit kollabieren.

Lektion 1 • Serienmotor und fortlaufender Konflikt

Definiert den Serienmotor als die erneuerbare Konfliktquelle, die mehrere Staffeln trägt. Autoren lernen, episodische prozedurale Motoren von serialisierten Bogen-Motoren zu unterscheiden.

Lektion 2 • TV-Format-Grundlagen

Unterscheidet Halbstunden-, Stunden-, Miniserien- und Streaming-Formate nach Struktur und Seitenzahl. Die Formatwahl prägt jede strukturelle und tonale Entscheidung in einem Fernsehprojekt.

Lektion 3 • Die Serienbibel

Behandelt die Bestandteile einer professionellen Serienbibel, die für das Pitchen bei Sendern und Streamern verwendet wird. Eine überzeugende Bibel verkauft die Welt, die Figuren und das langfristige Geschichtenpotenzial in einem Dokument.

Lektion 4 • Dynamik im Autorenraum

Bereitet Autoren auf das kollaborative, hierarchische Umfeld eines professionellen TV-Autorenraums vor. Das Verständnis von Raum-Etikette und Pitch-Protokoll ist für die Anstellung als Staffautor unerlässlich.

Lektion 1 • Die Überarbeitungs-Mentalität

Definiert Überarbeitung als das primäre Handwerk des Drehbuchschreibens neu, nicht als korrigierenden Nachgedanken. Autoren lernen, sich von Entscheidungen des ersten Entwurfs zu lösen und Drehbücher mit redaktioneller Objektivität zu bewerten.

Lektion 2 • Abdeckung, Wettbewerbe und Einreichung

Erklärt, wie professionelle Drehbuchabdeckung funktioniert und wie man sie zur Verbesserung von Drehbüchern nutzt. Autoren lernen Einreichungsstrategien für Wettbewerbe, Stipendien und Agentur-Anfrageprozesse.

Lektion 3 • Anmerkungen erhalten und anwenden

Behandelt, wie man Skriptanmerkungen von Lesern, Führungskräften und Kollegen interpretiert, priorisiert und anwendet. Autoren lernen, nützliche diagnostische Anmerkungen von präskriptiven Anmerkungen zu unterscheiden, die das eigentliche Problem verfehlen.

Lektion 4 • Feinschliff auf Zeilenebene und Korrekturlesen

Behandelt Ökonomie der Handlungsachse, redundante Beschreibung und Formatierungsfehler in finalen Durchgängen. Ein sauberes, fehlerfreies Drehbuch signalisiert Professionalität und respektiert die Zeit des Lesers.