Formation scénariste

Leçon 1 • Ce que font réellement les scénaristes

Définit le travail du scénariste dans la chaîne de production cinématographique et télévisuelle. Établit les attentes professionnelles qui encadrent chaque chapitre suivant.

Leçon 2 • Lire des scénarios professionnellement

Développe l'habitude d'analyser des scénarios produits en tant que documents artisanaux. Les étudiants acquièrent un vocabulaire critique utilisé tout au long du cours.

Leçon 3 • Format de scénario standard de l'industrie

Couvre les lignes d'en-tête, les axes d'action, les blocs de dialogue et les transitions en utilisant les règles de formatage professionnelles. Un format correct signale le professionnalisme à chaque lecteur.

Leçon 1 • Générer et tester des idées

Fournit des techniques d'idéation et des filtres pour évaluer si un concept est cinématographique et commercialement viable. Empêche les efforts gaspillés sur des prémisses faibles.

Leçon 2 • Créer une accroche convaincante

Enseigne la formule de pitch en une ou deux phrases qui résume le protagoniste, le conflit et les enjeux. Une accroche solide devient la boussole pour l'ensemble du script.

Leçon 3 • Développement de la prémisse et du thème

Distingue la prémisse du thème et montre comment l'argument thématique influence chaque décision narrative. Les étudiants articulent la question centrale à laquelle leur scénario répondra.

Leçon 4 • Ce qui rend une histoire dramatique

Examine le conflit, les enjeux et le désir contre le besoin comme moteur du drame. Ancre les étudiants dans les raisons pour lesquelles le public s'engage avec certaines histoires plutôt que d'autres.

Leçon 1 • Sous-intrigues et trames parallèles

Montre comment les sous-intrigues reflètent, contrastent ou compliquent l'intrigue principale pour approfondir le thème. Les étudiants intègrent au moins une sous-intrigue dans leur plan.

Leçon 2 • Le modèle des trois actes expliqué

Décompose la mise en place, la confrontation et la résolution avec des repères précis de nombre de pages pour les longs métrages. Donne aux scénaristes une structure fiable avant la rédaction.

Leçon 3 • Points de retournement structurels clés

Identifie les points d'intrigue, les points de serrage et le moment « tout est perdu » comme des battements narratifs obligatoires. Chaque point de retournement est défini par sa fonction et son impact émotionnel.

Leçon 4 • Élaborer le plan de l'histoire

Traduit la connaissance structurelle en un plan scène par scène à l'aide de fiches ou de logiciels. Un plan solide réduit les réécritures et maintient le brouillon sur la bonne voie.

Leçon 1 • Principes de conception du protagoniste

Définit ce qui rend un protagoniste captivant : l'initiative, le défaut et une trajectoire de transformation. Chaque décision structurelle dans le script découle de la conception du protagoniste.

Leçon 2 • Personnages secondaires et écriture d'ensemble

Conçoit des personnages secondaires qui remplissent des fonctions dramatiques distinctes sans éclipser le personnage principal. Chaque rôle secondaire doit justifier sa présence dans l'histoire.

Leçon 3 • Antagonistes et forces d'opposition

Construit des antagonistes qui sont l'égal logique et l'opposé du protagoniste. Une forte opposition augmente les enjeux et force un changement significatif du personnage.

Leçon 4 • Arc du personnage et transformation

Cartographie le voyage intérieur, du défaut à la croissance ou au déclin tragique, à travers les trois actes. L'arc doit être gagné par un rapport de cause à effet au niveau de la scène.

Leçon 1 • Séquences de scènes et construction par acte

Regroupe les scènes individuelles en séquences qui fonctionnent comme des mini-actes avec leur propre arc. Les étudiants assemblent leurs scènes en une structure cohérente au niveau de l'acte.

Leçon 2 • Anatomie d'une scène efficace

Définit l'objectif, le conflit et le résultat de la scène comme les trois composants obligatoires de toute scène. Les scénaristes apprennent à entrer tard et à sortir tôt pour maintenir le rythme.

Leçon 3 • Écrire des axes d'action avec précision

Forme les scénaristes à rédiger des axes d'action visuels, précis et concis qui dirigent l'œil du lecteur sans diriger le réalisateur. L'économie et la spécificité sont les deux standards.

Leçon 4 • Transitions de scènes et élan narratif

Couvre les coupes franches, les raccords dans le mouvement et les transitions thématiques qui maintiennent l'élan narratif. Les transitions fluides sont invisibles ; les transitions maladroites brisent l'immersion.

Leçon 1 • Principes du dialogue cinématographique

Distingue le dialogue de scénario du langage parlé réel et du dialogue théâtral par sa compression et son but. Chaque réplique doit gagner sa place en remplissant au moins deux fonctions.

Leçon 2 • Pièges courants du dialogue

Identifie et corrige les erreurs de dialogue les plus fréquentes : écriture appuyée, surexplication et confusion des voix des personnages. Des exercices de révision renforcent chaque correction.

Leçon 3 • Exposition sans maladresse

Fournit des techniques pour délivrer les informations nécessaires naturellement à travers le conflit et le besoin des personnages. Élimine les pièges d'exposition du type « comme tu le sais, Bob ».

Leçon 4 • Rythme et voix du dialogue

Développe l'oreille pour la variation de la longueur des phrases, les interruptions et les chevauchements de parole qui créent un rythme naturaliste. La cohérence de la voix est testée sur plusieurs scènes.

Leçon 1 • Utiliser votre plan comme guide

Montre comment suivre le plan de manière flexible, en permettant les découvertes organiques sans perdre l'intégrité structurelle. Le plan est une carte, pas une cage.

Leçon 2 • Écrire à travers les sections difficiles

Fournit des stratégies pour surmonter la redoutable « mollesse de l'acte deux » et autres zones structurelles problématiques. Les scénaristes apprennent à diagnostiquer et contourner les blocages sans s'arrêter.

Leçon 3 • Terminer et évaluer le brouillon

Guide les scénaristes pour terminer le brouillon et effectuer une première auto-évaluation avant la révision. Une période de refroidissement et une lecture structurée préparent le scénario pour les retours.

Leçon 4 • Mentalité et processus de rédaction

Établit le contrat psychologique de l'écriture du premier brouillon : finalisation plutôt que perfection. Les scénaristes apprennent à faire taire le critique intérieur et à maintenir l'élan vers l'avant.

Leçon 1 • Polissage final et préparation à la soumission

Couvre le polissage au niveau de la ligne, la relecture et les vérifications de formatage qui rendent un script professionnel sur la page. Les premières impressions dans l'industrie se font avant la page dix.

Leçon 2 • Recevoir et appliquer les retours

Enseigne aux scénaristes à extraire des informations exploitables de la couverture de tournage, des retours des pairs et des commentaires des dirigeants. L'objectif est de diagnostiquer le problème derrière le retour, pas de l'appliquer littéralement.

Leçon 3 • La mentalité et le processus de révision

Recadre la révision comme le véritable art de l'écriture scénaristique, et non comme une simple réflexion corrective. Les scénaristes apprennent à aborder le brouillon en tant que lecteur, et non en tant qu'auteur.

Leçon 4 • Révision des personnages et du dialogue

Affine les arcs des personnages, la cohérence des voix et l'économie du dialogue dans une passe de révision dédiée. Le parcours de chaque personnage est suivi indépendamment à travers le script.