Cours d'animation de dessins animés

Leçon 1 • Fondamentaux de la narration visuelle

Présente la composition, la mise en scène et la silhouette comme outils pour une narration de dessin animé lisible. Les étudiants appliquent ces principes à de simples esquisses de storyboard.

Leçon 2 • Styles et genres d’animation

Passe en revue les styles de dessin animé complets, limités, en motion-design et en stop-motion. Les étudiants identifient les choix stylistiques et leur effet sur la perception du public.

Leçon 3 • Terminologie fondamentale de l’animation

Définit le vocabulaire essentiel : cadres, images clés, interimages, rigs et timing. Un langage partagé permet une communication précise tout au long du cours.

Leçon 1 • Conception des personnages secondaires et d’arrière-plan

Enseigne le contraste et la hiérarchie dans la conception des personnages afin que les premiers rôles, les seconds rôles et les figurants se lisent distinctement. Les étudiants conçoivent une petite distribution avec des relations visuelles.

Leçon 2 • Principes de conception des personnages de dessin animé

Couvre le langage des formes, l’exagération et l’attrait comme moteurs essentiels des personnages de dessin animé mémorables. Relie directement les choix de conception aux besoins de performance d’animation.

Leçon 3 • Construction d’une feuille de modèle de personnage

Guide les étudiants à travers les rotations orthographiques, les feuilles d’expression et les guides de proportions. Les feuilles de modèle assurent la cohérence visuelle dans toutes les scènes d’animation.

Leçon 1 • Navigation dans l’interface du logiciel d’animation

Oriente les étudiants vers la timeline, la toile, les panneaux d’outils et le système de calques d’une application d’animation professionnelle. Une navigation efficace réduit le temps de production et les erreurs.

Leçon 2 • Travailler avec les images clés et la timeline

Enseigne l’insertion, la manipulation et l’interpolation des images clés dans la timeline du logiciel. Les étudiants animent un objet simple se déplaçant sur l’écran avec un easing contrôlé.

Leçon 3 • Gestion des calques et organisation de la scène

Établit des conventions de nommage, des stratégies de regroupement et une hiérarchie de scène pour des projets évolutifs. Des fichiers organisés préviennent les erreurs lors de la collaboration et de la sortie finale.

Leçon 1 • Écrasement, étirement et anticipation

Présente les trois principes les plus responsables de la vie et de l’énergie des dessins animés. Les étudiants animent une balle rebondissante et un élan de personnage pour intérioriser chaque concept.

Leçon 2 • Rebond, action en chaîne et arcs

Enseigne le mouvement secondaire et les trajectoires d’arc naturelles qui empêchent un mouvement rigide et mécanique. Les étudiants ajoutent des chevauchements de cheveux, de vêtements et de queues à un cycle de marche existant.

Leçon 3 • Mise en scène, animation en continu et pose par pose

Oppose deux flux de travail d’animation fondamentaux et enseigne la mise en scène pour une clarté maximale. Les étudiants produisent la même action en utilisant les deux méthodes pour comparer les résultats.

Leçon 4 • Exagération, dessin solide et attrait

Couvre les trois derniers principes qui élèvent l’animation technique en une performance de dessin animé convaincante. Les étudiants transforment une action subtile en une version de dessin animé entièrement exagérée.

Leçon 1 • Construction d’un rig corporel

Parcourt le rigging du torse, des membres et de la tête avec une déformation et des poignées de contrôle appropriées. Un rig corporel bien construit permet aux animateurs de poser les personnages rapidement et avec précision.

Leçon 2 • Rigging des éléments secondaires et des accessoires

Étend les compétences de rigging aux cheveux, aux vêtements, aux queues et aux accessoires tenus qui nécessitent leurs propres systèmes de contrôle. Les rigs secondaires ajoutent du réalisme et de la personnalité cartoon à la performance du personnage.

Leçon 3 • Rigging facial et contrôles de synchro labiale

Crée des formes de bouche, des contrôles oculaires et des rigs de sourcils nécessaires à l’animation faciale expressive et au dialogue. Les commandes faciales sont l’outil principal pour l’émotion et la parole du personnage.

Leçon 1 • Anatomie d’un cycle de marche

Décompose le cycle de marche en positions de contact, de descente, de passage et de montée et explique la logique du transfert de poids. Comprendre la mécanique prévient les erreurs les plus courantes du cycle de marche.

Leçon 2 • Cycles de course et variations de vitesse

Adapte les connaissances du cycle de marche à une locomotion plus rapide, couvrant la phase aérienne unique à la course. Les étudiants animent des jogging lents, des sprints complets et des courses cartoon avec flou de vitesse.

Leçon 3 • Locomotion de personnalité et spécialisée

Applique les connaissances de conception de personnages pour créer une locomotion qui exprime la personnalité, le poids et l’humeur. Les étudiants animent une marche furtive, une démarche fière et une chute comique.

Leçon 1 • Jeu facial complet et arcs émotionnels

Combine les contrôles de la bouche, des yeux, des sourcils et des joues en une performance faciale unifiée qui suit les arcs émotionnels. Les étudiants animent un personnage passant par plusieurs émotions dans une seule scène.

Leçon 2 • Formes phonémiques et tableaux de bouche

Associe les sons parlés à leurs formes de bouche correspondantes en utilisant des groupements phonémiques standard. Un appariement phonémique précis est le fondement technique d’une synchro labiale lisible.

Leçon 3 • Synchronisation de l’animation de la bouche avec l’audio

Enseigne la lecture des formes d’onde, le scrutation audio et le placement image par image des formes de bouche dans la timeline. Les étudiants synchronisent un clip de dialogue préenregistré sur un personnage riggé.

Leçon 1 • Conception et layout des décors

Couvre la perspective, les gammes de couleurs et la superposition des profondeurs pour les décors de dessin animé qui soutiennent l’action des personnages. Les décors établissent le monde, l’ambiance et le contexte spatial de chaque scène.

Leçon 2 • Conception sonore et intégration musicale

Synchronise les effets sonores, le bruitage et la musique avec la scène animée pour une expérience audiovisuelle complète. Le timing audio renforce les beats comiques, les impacts d’action et les moments émotionnels.

Leçon 3 • Effets visuels pour les scènes de dessin animé

Ajoute des effets spécifiques au dessin animé tels que les lignes de vitesse, les étoiles d’impact, les nuages de poussière et les traînées de mouvement. Les effets amplifient l’action et renforcent le langage visuel cartoon de la scène.

Leçon 4 • Composite final et livraison

Assemble tous les éléments de la scène dans un composite final, applique l’étalonnage et exporte pour les plateformes de diffusion cibles. Les étudiants soumettent une scène soignée répondant aux normes professionnelles de sortie.