Formation scénario

Leçon 1 • Lire des scripts de manière analytique

Forme les étudiants à lire les scénarios produits comme des documents de métier, en identifiant les choix structurels et stylistiques. La lecture active accélère le développement des compétences rédactionnelles.

Leçon 2 • Format de script standard de l'industrie

Enseigne les lignes d'en-tête, les axes d'action, les blocs de dialogue et les transitions en utilisant les règles de formatage professionnelles. Un format correct signale le professionnalisme aux lecteurs.

Leçon 3 • Ce qu'est réellement l'écriture de scénario

Définit l'écriture de scénario comme un métier collaboratif prioritairement visuel, distinct de la fiction en prose. Établit la fonction de l'auteur dans la chaîne de production.

Leçon 1 • Ce qui rend une histoire adaptable à l'écran

Identifie les qualités qui rendent une idée viable pour l'écran : conflit visuel, protagoniste doté d'une agentivité, et une question dramatique claire. Filtre les idées fortes des faibles.

Leçon 2 • Rédiger une accroche

Enseigne la formule de l'accroche — protagoniste, objectif, obstacle, enjeux — et comment la mettre à l'épreuve pour en vérifier la clarté et la commercialisabilité. Une accroche solide guide tout le travail d'écriture ultérieur.

Leçon 3 • Thème et idée maîtresse

Explique comment une idée maîtresse unifie l'intrigue, les personnages et le dialogue en un argument cohérent. Les étudiants articulent la colonne vertébrale thématique de leur histoire avant de faire le plan.

Leçon 1 • Comprendre le marché du script de spéculation

Explique comment les scripts de spéculation fonctionnent comme des échantillons d'écriture et des cartes de visite plutôt que comme des productions garanties. La connaissance du marché détermine les projets à écrire et comment les positionner.

Leçon 2 • Positionnement et titres comparables

Apprend aux auteurs à articuler la position de leur script en utilisant des titres comparables et un cadrage par genre et public. Un positionnement clair accélère les conversations professionnelles.

Leçon 3 • Structures et beats des genres majeurs

Cartographie les beats structurels spécifiques du thriller, de la comédie, du drame, de l'horreur et des genres d'action. Chaque genre possède un rythme émotionnel unique que l'auteur doit maîtriser.

Leçon 4 • Le genre comme contrat créatif

Définit le genre comme un ensemble d'attentes du public que l'auteur doit intentionnellement satisfaire, subvertir ou transcender. L'ignorance du genre produit des scripts qui ne satisfont personne.

Leçon 1 • Points de retournement structurels clés

Identifie les points d'intrigue, les points médians et les points de pression comme des pivots qui redirigent l'élan narratif. Leur placement correct maintient l'engagement du public tout au long du script.

Leçon 2 • Le paradigme en trois actes

Décompose la mise en place, la confrontation et la résolution comme des phases fonctionnelles de l'histoire, et non des divisions arbitraires. Comprendre la fonction de chaque acte empêche l'effondrement structurel dans les brouillons.

Leçon 3 • Structures narratives alternatives

Passe en revue les structures non linéaires, épisodiques et à protagonistes multiples et quand elles servent mieux l'histoire que le modèle classique. Élargit la boîte à outils structurelle de l'auteur.

Leçon 4 • Séquences et regroupements de scènes

Introduit l'approche en huit séquences comme outil pour gérer l'élan au milieu du script et éviter l'essoufflement de l'acte deux. Les séquences donnent aux auteurs des objectifs structurels gérables.

Leçon 1 • Principes de conception du protagoniste

Définit le rôle du protagoniste comme le principal point d'identification du public et le moteur de l'intrigue. Une conception solide du protagoniste rend chaque décision structurelle plus facile.

Leçon 2 • Voix du personnage et distinction

Développe des techniques pour donner à chaque personnage un schéma de parole, un vocabulaire et une vision du monde uniques. Des voix distinctes empêchent les personnages de ressembler à l'auteur.

Leçon 3 • Antagonistes et forces d'opposition

Présente l'antagoniste comme la force qui teste le défaut du protagoniste et force la transformation. Une opposition forte élève chaque élément du script.

Leçon 4 • Arc du personnage et transformation

Enseigne les arcs positifs, négatifs et plats et comment la transformation s'exprime par le comportement, non par l'exposition. L'arc doit être gagné par une pression narrative croissante.

Leçon 1 • Sous-texte et ironie dramatique

Montre comment les personnages qui disent une chose tout en en signifiant une autre créent tension et authenticité. Le sous-texte est l'écart entre le dialogue de surface et le désir sous-jacent.

Leçon 2 • Ordre des scènes et élan

Examine comment l'ordre des scènes, le contraste et le rythme créent un élan narratif à travers le script. Ordonnancer les scènes de manière stratégique empêche la fatigue du lecteur.

Leçon 3 • Entrer et sortir des scènes

Enseigne la règle d'entrer tard et de sortir tôt pour maximiser l'efficacité dramatique. Des limites de scène appropriées éliminent le superflu du script.

Leçon 4 • Anatomie d'une scène efficace

Décompose chaque scène en objectif, conflit et résultat, montrant comment chaque élément mène au suivant. Les scènes sans conflit sont des coupes qui n'attendent que d'arriver.

Leçon 1 • Écrire un discours authentique pour les personnages

Développe l'idiolecte de chaque personnage — vocabulaire, syntaxe et rythme — afin que le dialogue révèle l'identité sans description. La cohérence de la voix instaure la confiance du public.

Leçon 2 • Silence, pauses et beats non verbaux

Explore comment le silence, l'interruption et les beats d'action au sein des scènes de dialogue créent tension et sens. Ce que les personnages ne disent pas est souvent plus puissant.

Leçon 3 • Lire le dialogue à voix haute et réviser

Établit le test de lecture à voix haute comme outil de diagnostic principal pour les problèmes de dialogue. La révision basée sur l'oreille détecte les problèmes que la révision basée sur l'œil manque.

Leçon 4 • Exposition par le dialogue

Enseigne des techniques pour intégrer les informations nécessaires dans des échanges conflictuels plutôt que dans des déversements d'informations. L'exposition invisible maintient le public dans l'histoire.

Leçon 1 • Recevoir et utiliser les retours

Développe les compétences pour solliciter, filtrer et appliquer les notes des lecteurs, des cadres et des collaborateurs. Tous les retours ne se valent pas ; le diagnostic importe plus que la prescription.

Leçon 2 • L'état d'esprit du premier brouillon

Recadre le premier brouillon comme un document de découverte, non un produit fini, pour surmonter le perfectionnisme. La permission d'écrire mal est le prérequis pour bien réécrire.

Leçon 3 • Macro-révision : histoire et structure

Enseigne la révision descendante en commençant par la logique narrative, la structure et l'arc du personnage avant de toucher à la prose. Corriger les mauvaises choses en premier gaspille l'effort de révision.

Leçon 4 • Micro-révision : niveau de la scène et de la ligne

Aborde la révision au niveau de la scène et de la ligne une fois les problèmes macro résolus. Polir la prose avant de corriger la structure est l'erreur de réécriture la plus courante.