Cours de stop motion

Leçon 1 • Genres et styles d'animation en volume

Passez en revue les styles de marionnette, pâte à modeler, objet, découpage et pixillation. Les étudiants identifient le genre adapté à un brief de projet donné.

Leçon 2 • Principes fondamentaux de l'animation

Présentez les douze principes de l'animation appliqués à l'animation en volume. Ces principes sous-tendent chaque technique enseignée dans les chapitres suivants.

Leçon 3 • Aperçu de la chaîne de production

Cartographiez chaque phase, du concept à l'exportation finale. Comprendre l'ensemble du processus évite des erreurs coûteuses dans les étapes de production ultérieures.

Leçon 1 • Logiciel de capture et pelure d'oignon

Installez et configurez un logiciel de capture d'images avec superposition de pelure d'oignon. La pelure d'oignon est l'outil principal pour un mouvement incrémental précis.

Leçon 2 • Montage et stabilisation de la caméra

Montez les caméras sur des trépieds, des bancs de reproduction et des supports personnalisés pour une stabilité parfaite. Tout mouvement de la caméra entre les images détruit l'illusion du mouvement.

Leçon 3 • Choisir la bonne caméra

Comparez les reflex numériques, les appareils hybrides et les webcams pour l'animation en volume. Les critères de sélection affectent directement la qualité d'image et l'efficacité du flux de production.

Leçon 4 • Réglages de la caméra pour l'animation en volume

Réglez l'exposition manuelle, la balance des blancs et la mise au point pour éliminer le scintillement. Des réglages constants sont la discipline technique la plus importante en animation en volume.

Leçon 1 • Prévenir et corriger le scintillement

Identifiez les causes du scintillement et appliquez des solutions matérielles et logicielles. Le scintillement est la panne technique la plus courante dans l'éclairage en animation en volume.

Leçon 2 • Éclairage motivé et atmosphérique

Créez un éclairage qui raconte une histoire en correspondant à l'ambiance narrative. Les étudiants conçoivent des configurations qui renforcent l'émotion du personnage et le ton de la scène.

Leçon 3 • Choisir les sources lumineuses

Comparez les panneaux LED, le tungstène, les fluorescents et les sources de lumière du jour pour l'animation en volume. Chaque type de source a des implications distinctes en matière de scintillement et de chaleur.

Leçon 1 • Texturation et peinture des décors

Appliquez de la peinture, de la pâte à texture et des matériaux trouvés pour créer des surfaces réalistes. La texture se voit différemment à la caméra qu'en personne, ce qui nécessite des tests délibérés.

Leçon 2 • Conception de décors modulaires et réutilisables

Concevez des décors avec des panneaux et sections interchangeables pour maximiser l'efficacité de la production. La conception modulaire réduit le temps de construction pour les projets multi-scènes.

Leçon 3 • Planification de l'échelle et des proportions

Calculez l'échelle du décor par rapport à la taille de la marionnette et au choix de l'objectif. Une échelle correcte crée une profondeur crédible et évite la distorsion de perspective.

Leçon 4 • Habillage de décor et accessoires

Peuplez les décors d'accessoires à l'échelle qui renforcent le récit et le personnage. Chaque accessoire doit être suffisamment stable pour survivre à une journée complète de tournage.

Leçon 1 • Conception et fabrication de l'armature

Construisez des armatures en fil de fer et à rotules qui supportent des poses répétées sans fatigue. La qualité de l'armature détermine la durée de vie et l'amplitude de mouvement de la marionnette.

Leçon 2 • Principes de conception des personnages

Appliquez la silhouette, les proportions et la théorie des couleurs pour créer des personnages d'animation en volume lisibles. Un design fort réduit la difficulté d'animation et augmente l'engagement du public.

Leçon 3 • Construction du corps en mousse et tissu

Sculptez le rembourrage en mousse et cousez des costumes en tissu sur l'armature. La construction en couches donne du volume aux marionnettes tout en préservant la mobilité des articulations.

Leçon 4 • Mains et travail de détail fin

Fabriquez des mains articulées capables de saisir des accessoires et de transmettre des gestes. Le détail des mains élève considérablement la qualité perçue de la production.

Leçon 1 • Animation faciale et synchronisation labiale

Échangez les visages de remplacement et animez les formes de la bouche en synchronisation avec le dialogue enregistré. Une synchronisation labiale précise est essentielle pour la crédibilité du personnage dans les scènes de dialogue.

Leçon 2 • Planification du mouvement avec des feuilles d'exposition

Utilisez des feuilles d'exposition et des feuilles de repérage pour pré-planifier le nombre d'images et le timing. La pré-planification évite de perdre du temps de tournage et les erreurs de continuité.

Leçon 3 • Animation du poids et du mouvement secondaire

Simulez la gravité, l'inertie et l'action de chevauchement pour donner aux marionnettes une sensation de réalité physique. Le poids est la qualité qui distingue l'animation amateur de l'animation professionnelle.

Leçon 4 • Technique d'animation image par image

Animez image par image sans poses clés prédéfinies pour obtenir un mouvement fluide et spontané. Cette technique convient aux types de mouvement organiques et imprévisibles.

Leçon 1 • Tournage sur plusieurs sessions

Préservez l'état du décor et de la marionnette entre les jours de tournage pour maintenir la cohérence visuelle. Les tournages multi-sessions nécessitent des procédures d'arrêt et de redémarrage systématiques.

Leçon 2 • Résolution des problèmes courants sur le plateau

Diagnostiquez et résolvez rapidement les chutes de marionnettes, les changements d'éclairage et les suppressions accidentelles d'images. Une résolution rapide des problèmes minimise les reprises coûteuses.

Leçon 3 • Effets spéciaux sur le plateau

Créez des effets pratiques dans la caméra, notamment le feu, la fumée, l'eau et les explosions à l'échelle miniature. Les effets dans la caméra s'intègrent parfaitement et réduisent le travail de postproduction.

Leçon 4 • Planification des plans et storyboard

Traduisez un scénario en une liste de plans et un storyboard qui guide chaque installation de la caméra. Une prévisualisation approfondie élimine les incertitudes sur le plateau.

Leçon 1 • Conception sonore et musique

Ajoutez des bruitages, de l'ambiance, des dialogues et de la musique pour compléter l'expérience cinématographique. Le son compte pour environ la moitié de la réponse émotionnelle du public.

Leçon 2 • Génériques et exportation

Concevez le générique d'ouverture et le générique de fin, puis exportez aux formats de livraison requis. Des réglages d'exportation appropriés garantissent que la qualité est préservée sur toutes les plateformes de visionnage.

Leçon 3 • Montage du cut image

Assemblez les plans en une séquence cohérente, en ajustant le timing et le rythme pour le flux narratif. Le montage de l'animation en volume diffère de la prise de vues réelles en raison du nombre d'images fixes.

Leçon 4 • Étalonnage et correction des couleurs

Corrigez les incohérences d'exposition et appliquez un étalonnage unifié à tous les plans. L'étalonnage unifie les images tournées sur plusieurs jours et configurations d'éclairage.