Corso di stop motion

Lezione 1 • Generi e stili della stop motion

Panoramica sugli stili puppet, clay, object, cutout e pixilation. Gli studenti identificano quale genere si adatta a un determinato brief di progetto.

Lezione 2 • Principi fondamentali dell'animazione

Presentare i dodici principi dell'animazione applicati alla stop motion. Questi principi sono alla base di ogni tecnica insegnata nei capitoli successivi.

Lezione 3 • Panoramica della pipeline di produzione

Mappare ogni fase dal concept all'esportazione finale. Comprendere l'intera pipeline previene errori costosi nelle fasi produttive successive.

Lezione 1 • Software di acquisizione e onion skinning

Installare e configurare il software di acquisizione fotogrammi con sovrapposizione a cipolla. L'onion skinning è lo strumento principale per un movimento incrementale preciso.

Lezione 2 • Attrezzatura e stabilizzazione della fotocamera

Montare le fotocamere su treppiedi, stativi per riproduzioni e rig personalizzati per una stabilità granitica. Qualsiasi movimento della fotocamera tra i fotogrammi distrugge l'illusione del movimento.

Lezione 3 • Scegliere la fotocamera giusta

Confrontare DSLR, fotocamere mirrorless e webcam per l'uso nella stop motion. I criteri di selezione influenzano direttamente la qualità dell'immagine e l'efficienza del flusso di lavoro.

Lezione 4 • Impostazioni della fotocamera per la stop motion

Impostare l'esposizione manuale, il bilanciamento del bianco e la messa a fuoco per eliminare lo sfarfallio. Le impostazioni coerenti sono la disciplina tecnica più importante nella stop motion.

Lezione 1 • Prevenire e correggere lo sfarfallio

Identificare le cause dello sfarfallio e applicare soluzioni hardware e software. Lo sfarfallio è il guasto tecnico più comune nell'illuminazione per la stop motion.

Lezione 2 • Illuminazione motivata e atmosferica

Creare un'illuminazione che racconti una storia, adattandola all'atmosfera narrativa. Gli studenti progettano configurazioni che rafforzano l'emozione del personaggio e il tono della scena.

Lezione 3 • Scegliere le sorgenti luminose

Confrontare pannelli LED, tungsteno, fluorescenti e luce diurna per la stop motion. Ogni tipo di sorgente ha implicazioni distinte in termini di sfarfallio e calore.

Lezione 1 • Texturizzazione e pittura dei set

Applicare vernice, pasta per texture e materiali di recupero per creare superfici realistiche. La texture viene letta diversamente dalla fotocamera rispetto alla visione diretta, richiedendo test deliberati.

Lezione 2 • Design del set modulare e riutilizzabile

Progettare set con pannelli e sezioni intercambiabili per massimizzare l'efficienza produttiva. Il design modulare riduce i tempi di costruzione per progetti con più scene.

Lezione 3 • Pianificazione di scala e proporzione

Calcolare la scala del set in relazione alle dimensioni del pupazzo e alla scelta dell'obiettivo. Una scala corretta crea una profondità credibile e previene la distorsione prospettica.

Lezione 4 • Arredamento del set e oggetti di scena

Popolare i set con oggetti di scena in scala che rafforzino la narrazione e il personaggio. Ogni oggetto di scena deve essere abbastanza stabile da sopravvivere a un'intera giornata di riprese.

Lezione 1 • Progettazione e fabbricazione dell'armatura

Costruire armature in filo metallico e a snodo sferico che supportino pose ripetute senza affaticamento. La qualità dell'armatura determina la durata e l'ampiezza di movimento del pupazzo.

Lezione 2 • Principi di design dei personaggi

Applicare silhouette, proporzione e teoria del colore per creare personaggi stop motion leggibili. Un design efficace riduce la difficoltà dell'animazione e aumenta il coinvolgimento del pubblico.

Lezione 3 • Costruzione del corpo in schiuma e tessuto

Intagliare imbottiture in schiuma e cucire costumi in tessuto sopra l'armatura. La costruzione a strati conferisce volume ai pupazzi preservando la mobilità delle articolazioni.

Lezione 4 • Mani e lavori di dettaglio fine

Fabbricare mani articolate capaci di afferrare oggetti di scena e trasmettere gesti. Il dettaglio delle mani eleva significativamente la qualità produttiva percepita.

Lezione 1 • Animazione facciale e sincronizzazione labiale

Sostituire i volti sostitutivi e animare le forme della bocca in sincrono con il dialogo registrato. Un lip sync accurato è essenziale per la credibilità del personaggio nelle scene di dialogo.

Lezione 2 • Pianificare il movimento con i fogli di esposizione

Utilizzare fogli di esposizione e dope sheet per pre-pianificare il conteggio dei fotogrammi e la temporizzazione. La pre-pianificazione previene la perdita di tempo di ripresa e gli errori di continuità.

Lezione 3 • Animare il peso e il movimento secondario

Simulare gravità, inerzia e azione sovrapposta per far sembrare i pupazzi fisicamente reali. Il peso è l'unica qualità che separa l'animazione amatoriale da quella professionale.

Lezione 4 • Tecnica di animazione straight-ahead

Animare fotogramma per fotogramma senza pose chiave preimpostate per ottenere un movimento fluido e spontaneo. Questa tecnica si adatta a tipi di movimento organici e imprevedibili.

Lezione 1 • Riprese attraverso più sessioni

Preservare lo stato del set e del pupazzo tra i giorni di ripresa per mantenere la coerenza visiva. Le riprese multi-sessione richiedono procedure sistematiche di chiusura e avvio.

Lezione 2 • Risoluzione dei problemi comuni sul set

Diagnosticare e risolvere rapidamente cadute del pupazzo, spostamenti dell'illuminazione e cancellazioni accidentali di fotogrammi. Un problem-solving veloce riduce al minimo le costose ripetizioni delle riprese.

Lezione 3 • Effetti speciali sul set

Creare effetti pratici in-camera inclusi fuoco, fumo, acqua ed esplosioni in scala miniatura. Gli effetti in-camera si integrano perfettamente e riducono il lavoro di post-produzione.

Lezione 4 • Pianificazione dell'inquadratura e storyboarding

Tradurre una sceneggiatura in una lista di inquadrature e uno storyboard che guidi ogni configurazione della fotocamera. Una pre-visualizzazione approfondita elimina le congetture sul set.

Lezione 1 • Sound design e musica

Aggiungere foley, suono ambientale, dialogo e musica per completare l'esperienza cinematografica. Il suono rappresenta circa la metà della risposta emotiva del pubblico.

Lezione 2 • Titoli, crediti ed esportazione

Progettare titoli di testa e di coda, quindi esportare nei formati di consegna richiesti. Le corrette impostazioni di esportazione garantiscono che la qualità venga preservata su tutte le piattaforme di visualizzazione.

Lezione 3 • Montaggio del picture cut

Assemblare le inquadrature in una sequenza coerente, regolando il tempo e il ritmo per il flusso narrativo. Il montaggio della stop motion differisce dal live action a causa del numero fisso di fotogrammi.

Lezione 4 • Color grading e correzione

Correggere le incongruenze di esposizione e applicare una color grade unificata a tutte le inquadrature. Il color grading unifica il girato ripreso in più giorni e con diverse configurazioni di illuminazione.