Formation de scénariste

Leçon 1 • Aperçu des industries et des formats

Examinez les principaux formats de script — film, télévision, scène, audio, corporate et interactif — et les industries qui les commandent. Forme les étudiants au paysage professionnel avant la spécialisation.

Leçon 2 • Ce que sont et font les scripts

Définissez les scripts comme des plans structurés pour la performance, en les distinguant de la prose. Établit le but fonctionnel qui guide chaque décision de format et d'artisanat à venir.

Leçon 3 • Vocabulaire essentiel du métier

Introduisez la terminologie essentielle utilisée dans tous les formats de script. Un vocabulaire partagé permet une communication précise avec les collaborateurs et une lecture précise des scripts professionnels.

Leçon 1 • Modèles structurels alternatifs

Examinez les structures en cinq actes, épisodiques, non linéaires et modulaires utilisées à la télévision et dans les œuvres expérimentales. Élargit la boîte à outils de l'écrivain au-delà de la forme classique.

Leçon 2 • Thème, prémisse et question centrale

Définissez le thème comme un argument actif intégré aux événements de l'histoire, pas un sujet. Guide les écrivains à ancrer les choix structurels dans une question dramatique unificatrice.

Leçon 3 • Techniques d'intrigue et de planification

Appliquez des méthodes de planification pratiques — feuilles de battements, fiches et plans par étapes — avant la rédaction. Réduit les problèmes structurels dans les brouillons ultérieurs et accélère la révision.

Leçon 4 • Logique dramatique au niveau de la scène

Analysez comment les scènes individuelles fonctionnent comme des unités de conflit, de changement et d'information. Apprend aux écrivains à entrer tard, sortir tôt et à s'assurer que chaque scène fait avancer l'histoire ou le personnage.

Leçon 1 • Arc de personnage et transformation

Cartographiez le voyage intérieur d'un personnage, du défaut au changement — ou au non-changement délibéré — à travers la structure du script. Relie l'arc du personnage aux points de basculement de la structure des actes introduits précédemment.

Leçon 2 • Personnages secondaires et d'ensemble

Concevez des personnages secondaires qui remplissent des fonctions dramatiques distinctes sans éclipser le personnage principal. Couvre l'équilibre de l'ensemble et le risque de rôles secondaires sous-développés.

Leçon 3 • Conception du protagoniste et de l'antagoniste

Construisez des protagonistes avec une agence claire et des antagonistes avec une motivation cohérente. Établit la dynamique d'opposition qui génère le conflit central de tout script.

Leçon 4 • Anatomie du personnage

Distinguez entre le désir, le besoin, la blessure et le défaut d'un personnage comme les quatre moteurs du comportement. Ces couches créent un conflit intérieur qui soutient la tension dramatique à travers un script.

Leçon 1 • Exposition et délivrance de l'information

Livrez le passé et les informations sur le monde nécessaires sans exposition maladroite et directe. Enseigne à déguiser l'exposition en conflit, action ou révélation de personnage.

Leçon 2 • Techniques de révision du dialogue

Appliquez des stratégies de révision ciblées pour resserrer, aiguiser et différencier le dialogue dans les brouillons ultérieurs. Construit l'habitude de traiter le dialogue comme un élément de métier nécessitant plusieurs passages.

Leçon 3 • Voix de personnage distincte

Développez des modèles de discours, un vocabulaire et un rythme uniques pour chaque personnage afin que le dialogue soit identifiable sans étiquettes de locuteur. Empêche le défaut commun que tous les personnages se ressemblent.

Leçon 4 • Sous-texte et communication indirecte

Entraînez les écrivains à intégrer le sens sous les mots littéraux que les personnages prononcent. Le sous-texte crée l'ironie dramatique, la tension et le sentiment que les personnages ont une vie intérieure.

Leçon 1 • Formats corporate et de forme courte

Formatez les scripts AV à deux colonnes, les scripts d'explication et les scripts publicitaires pour un usage corporate et commercial. Les formats courts nécessitent un alignement visuel-audio précis sur la page.

Leçon 2 • Formats de script de théâtre et audio

Appliquez les règles de formatage distinctes pour les pièces de théâtre et les scripts d'audio-drame. Ces formats privilégient la parole et les indications scéniques par rapport à la description visuelle.

Leçon 3 • Formatage des scripts télévisuels

Distinguez les conventions de format à caméra unique et multi-caméras, y compris les pauses publicitaires et les amorces. Le formatage TV varie selon le réseau et le style de production, nécessitant une flexibilité de format.

Leçon 4 • Fondamentaux du format de scénario de film

Maîtrisez les en-têtes de scène, les blocs d'action, les blocs de dialogue et les transitions pour les scripts de longs et courts métrages. Ces conventions sont non négociables dans les contextes de soumission professionnelle de films.

Leçon 1 • Écrire pour la caméra

Traduisez les événements de l'histoire en action visuelle qu'une caméra peut capturer, en évitant les directions infilmables. Apprend aux écrivains à penser en images sans réaliser sur la page.

Leçon 2 • Montage, entrecoupage et temps

Appliquez les séquences de montage, le montage parallèle et la compression temporelle comme outils de narration scénarisée. Ces techniques condensent le temps de l'histoire et créent du sens par la juxtaposition.

Leçon 3 • Lignes d'action et description de scène

Créez des lignes d'action vives, précises et rapides à lire sans trop décrire. Des lignes d'action fortes établissent le ton, le rythme et le style visuel tout en servant l'histoire.

Leçon 4 • Scènes d'ouverture et de fermeture

Concevez des scènes d'ouverture qui accrochent immédiatement et des scènes de fermeture qui résonnent au-delà de l'image finale. Les premières et dernières impressions définissent comment un script est mémorisé et évalué.

Leçon 1 • Donner et recevoir un retour d'information

Utilisez des cadres de retour structurés pour donner des notes utiles et extraire des idées exploitables de la critique. La littératie du retour est une compétence professionnelle aussi importante que l'écriture elle-même.

Leçon 2 • Passage de révision structurelle

Évaluez et réparez les problèmes d'histoire macro — structure des actes, rythme et logique de l'intrigue — avant de traiter les problèmes au niveau des lignes. La révision structurelle précède tous les autres passages de révision.

Leçon 3 • Révision des personnages et du dialogue

Auditez la cohérence des personnages, la clarté de l'arc et la voix du dialogue dans l'ensemble du script. Cible les échecs les plus courants des brouillons intermédiaires : la dérive de la voix et l'abandon de l'arc.

Leçon 4 • L'état d'esprit du premier brouillon

Adoptez des stratégies pour terminer un premier brouillon sans paralysie d'auto-édition. Un brouillon brut terminé est la matière première essentielle pour tout travail de révision ultérieur.

Leçon 1 • Comprendre les conventions de genre

Cartographiez les conventions structurelles, de personnages et tonales des genres majeurs et de leurs contrats avec l'auditoire. La littératie des genres permet aux écrivains de remplir, subvertir ou mélanger les conventions intentionnellement.

Leçon 2 • Art de la tension, du suspense et de l'horreur

Construisez et maintenez la tension par le contrôle de l'information, le rythme et l'ironie dramatique. S'applique aux thrillers, à l'horreur et à tout script nécessitant une anxiété soutenue de l'auditoire.

Leçon 3 • Techniques d'écriture comique

Appliquez la mécanique de l'écriture comique — mise en place, diversion, timing et humour basé sur le personnage. La comédie est un métier avec des règles apprenables, pas un talent réservé à quelques-uns.

Leçon 4 • Contrôle et cohérence du ton

Établissez et maintenez un ton cohérent à travers les lignes d'action, le dialogue et la construction de scène d'un script. L'incohérence tonale est parmi les raisons les plus courantes de rejet des scripts.