Formation cinéma d'animation

Leçon 1 • Terminologie de l’animation et langage du secteur

Définit le vocabulaire utilisé sur les plateaux de tournage professionnels et dans les environnements logiciels. Un langage précis accélère la communication avec les réalisateurs, les riggers et les compositeurs.

Leçon 2 • Principes fondamentaux de l’animation

Présente les douze principes fondamentaux qui régissent un mouvement crédible. La maîtrise de ces principes sous-tend toute l’animation de personnages et d’objets dans le cours.

Leçon 3 • Histoire et évolution de l’animation cinématographique

Retrace l’animation, du cellulo dessiné à la main aux pipelines CGI modernes. Établit un contexte sectoriel qui éclaire chaque décision de production abordée plus tard.

Leçon 1 • Fondamentaux du design de personnages

Guide la création de silhouettes et d’expressions de personnages lisibles et adaptées à l’animation. Des choix de design solides réduisent la complexité du rig et améliorent la lisibilité pour le public.

Leçon 2 • Développement visuel et guides de style

Présente les guides de style qui maintiennent la cohérence visuelle tout au long d’une production. Les étudiants créent des documents de référence utilisés par toute l’équipe d’animation.

Leçon 3 • Storyboard pour le film d’animation

Enseigne le script visuel plan par plan des scènes, y compris les angles de prise de vue et les beats d’action. Les storyboards servent d’outil de communication principal entre les animateurs et les réalisateurs.

Leçon 4 • Dessin gestuel et de la figure pour les animateurs

Entraîne au croquis d’observation rapide pour capturer le poids, l’équilibre et le mouvement. Ces compétences influencent directement le choix des poses et la silhouette du personnage en animation.

Leçon 1 • Hiérarchie de scène et gestion des objets

Explique les relations parent-enfant, les conventions de nommage et l’organisation du classeur. Une hiérarchie appropriée prévient les erreurs lors du rigging, de l’animation et du rendu.

Leçon 2 • Fondamentaux de l’éclairage pour l’animation

Couvre l’éclairage à trois points, les lumières de zone et les configurations d’environnement HDRI pour les scènes animées. La connaissance de l’éclairage aide les animateurs à évaluer la lisibilité du mouvement dans les conditions de rendu final.

Leçon 3 • Configuration de la caméra et cadrage

Enseigne la création de caméra, les réglages d’objectif et le cadrage cinématographique dans les scènes 3D. Une configuration correcte de la caméra garantit que l’animation est évaluée dans son contexte compositionnel final.

Leçon 4 • Modélisation polygonale et par courbes de base

Présente l’édition de maillage polygonal et les courbes NURBS pour la création d’actifs prêts pour l’animation. Une topologie propre à ce stade réduit les problèmes de déformation lors de l’animation des personnages.

Leçon 1 • Systèmes d’articulations squelettiques

Couvre le placement, l’orientation et la hiérarchie des articulations pour les personnages bipèdes et quadrupèdes. Une configuration correcte des articulations est la base structurelle de tout travail de déformation et de contrôle.

Leçon 2 • Skin weighting et déformation

Enseigne le skin binding lisse, la peinture de poids et les blend shapes correctifs pour une déformation propre. Un weighting précis empêche l’effondrement du maillage lors de poses extrêmes des personnages.

Leçon 3 • Courbes de contrôle et interface utilisateur du rig

Guide la création de courbes de contrôle intuitives et d’attributs de rig personnalisés pour les animateurs. Une interface utilisateur de rig propre réduit les erreurs des animateurs et accélère la production de plans.

Leçon 4 • Cinématique inverse et directe

Explique les solveurs FK et IK, leurs compromis et quand les appliquer dans les rigs de personnages. Le mélange FK et IK donne aux animateurs la flexibilité nécessaire pour les plans de film complexes.

Leçon 1 • Cycles de marche et locomotion

Décompose les cycles de marche bipèdes et quadrupèdes en poses de contact, de passage, de descente et de montée. La locomotion est un test fondamental du rythme, du poids et de la personnalité du personnage.

Leçon 2 • Poids, élan et forces physiques

Applique des principes basés sur la physique pour animer des levages lourds, des chutes et des interactions entre objets. Un poids convaincant est le principal indicateur de la qualité de l’animation dans la production cinématographique.

Leçon 3 • Blocage et flux de travail par images clés en escalier

Présente la méthode de blocage pose-à-pose utilisant des tangentes en escalier avant le raffinement en spline. Le blocage verrouille le rythme et les choix de jeu avant de s’engager dans le travail d’interpolation.

Leçon 4 • Animation de jeu et de performance

Traduit les choix de jeu en langage corporel, rythme et performance faciale pour les plans de personnages. La performance en animation distingue le mouvement techniquement correct du travail cinématographique émotionnellement convaincant.

Leçon 1 • Intégration des simulations avec l’animation de personnages

Aborde le flux de travail pour combiner l’animation de personnages faite à la main avec les couches de simulation. Une intégration transparente empêche les incohérences visuelles entre les éléments animés et simulés.

Leçon 2 • Simulation de tissu et de corps mous

Enseigne les réglages de solveur nCloth ou équivalent pour les vêtements, les drapeaux et les objets déformables. La simulation de tissu ajoute un mouvement secondaire qui renforce le poids du personnage et le réalisme de l’environnement.

Leçon 3 • Effets de particules et de fluides

Couvre les émetteurs de particules, les conteneurs de fluides et les interactions de champs pour le feu, la fumée et l’eau. L’animation d’effets soutient les moments narratifs nécessitant une narration environnementale ou élémentaire.

Leçon 4 • Systèmes de corps rigides et de dynamiques

Couvre les objets de corps rigides actifs et passifs, la géométrie de collision et les réseaux de contraintes. La dynamique des corps rigides automatise les destructions physiquement précises et les interactions avec les accessoires.

Leçon 1 • Processus de playblast et de révision de l’animation

Couvre la création de playblasts, l’annotation des retours et l’itération basée sur les notes du réalisateur. Un cycle de révision structuré est essentiel pour atteindre les normes de qualité dans les productions professionnelles.

Leçon 2 • Raccord et cohérence de scène

Enseigne le maintien de la position, de l’échelle et du mouvement cohérents du personnage à travers les coupes et les scènes. Les erreurs de raccord brisent l’immersion du public et nécessitent des révisions coûteuses en post-production.

Leçon 3 • Rendu et sortie pour le compositing

Présente la configuration des couches de rendu, les sorties AOV et le nommage des fichiers pour la transmission aux compositeurs. Une sortie de rendu correcte garantit que les compositeurs peuvent finaliser les plans sans renvoyer les fichiers à l’animation.

Leçon 4 • Coordination de scènes multi-personnages

Couvre les techniques d’animation de plusieurs personnages partageant l’espace à l’écran et interagissant physiquement. L’animation multi-personnages coordonnée nécessite un rythme et une conscience spatiale minutieux.

Leçon 1 • Raffinement avancé du rythme et de l’espacement

Repousse le rythme et l’espacement au-delà de la précision mécanique vers une performance expressive et stylisée. Les choix d’espacement avancés définissent la voix personnelle et le niveau professionnel d’un animateur.

Leçon 2 • Animation d’action cinématographique et de cascades

Couvre les séquences d’action à haute énergie, les images d’impact et le flou de mouvement pour le travail d’action et de cascade cinématographique. L’animation d’action exige un contrôle précis du rythme pour être lisible aux cadences d’images du film.

Leçon 3 • Présentation du portfolio et soumission à l’industrie

Prépare les étudiants à présenter leur travail en ligne, lors d’entretiens et via les portails de soumission de l’industrie. Des compétences de présentation professionnelles transforment un bon travail d’animation en opportunités d’emploi.

Leçon 4 • Animation de créatures et de personnages non humains

Applique les principes de locomotion et de performance aux créatures fantastiques et aux personnages non humains. L’animation de créatures nécessite d’extrapoler la logique physique au-delà de la référence humaine directe.