Formation de scénariste

Leçon 1 • Aperçu des industries et des formats

Passez en revue les principaux formats de scénarios — cinéma, télévision, scène, audio, corporate et interactif — ainsi que les industries qui les commanditent. Donne une base dans le paysage professionnel avant de se spécialiser.

Leçon 2 • Ce que sont et ce que font les scénarios

Définissez les scénarios comme des plans structurés destinés à la performance, en les distinguant de la prose. Établit la fonction utilitaire qui guide chaque décision de formatage et de technique à venir.

Leçon 3 • Vocabulaire essentiel du métier

Introduisez la terminologie essentielle utilisée dans tous les formats de scénarios. Un vocabulaire commun permet une communication précise avec les collaborateurs et une lecture correcte des scénarios professionnels.

Leçon 1 • Modèles structurels alternatifs

Examinez les structures en cinq actes, épisodiques, non linéaires et modulaires utilisées à la télévision et dans les travaux expérimentaux. Élargit la boîte à outils de l'auteur au-delà de la forme classique.

Leçon 2 • Thème, prémisse et question centrale

Définissez le thème comme un argument actif intégré dans les événements de l'histoire, et non comme un sujet. Guide les auteurs pour ancrer les choix structurels dans une question dramatique unificatrice.

Leçon 3 • Techniques de construction de l'intrigue et de synopsis

Appliquez des méthodes pratiques de synopsis — feuilles de beats, fiches cartonnées et synopsis par étapes — avant la rédaction. Réduit les problèmes structurels dans les brouillons ultérieurs et accélère la révision.

Leçon 4 • Logique dramatique au niveau de la scène

Analysez comment les scènes individuelles fonctionnent comme des unités de conflit, de changement et d'information. Apprend aux auteurs à entrer tard, sortir tôt, et à s'assurer que chaque scène fait progresser l'histoire ou le personnage.

Leçon 1 • Arc et transformation du personnage

Cartographiez le parcours intérieur d'un personnage, de sa faille au changement — ou au non-changement délibéré — à travers la structure du scénario. Relie l'arc du personnage aux points de basculement de la structure en actes introduits précédemment.

Leçon 2 • Personnages secondaires et ensemble

Concevez des personnages secondaires qui remplissent des fonctions dramatiques distinctes sans éclipser le personnage principal. Couvre l'équilibre de l'ensemble et le risque de rôles secondaires sous-développés.

Leçon 3 • Conception du protagoniste et de l'antagoniste

Construisez des protagonistes dotés d'une agentivité claire et des antagonistes animés par une motivation cohérente. Établit la dynamique d'opposition qui génère le conflit central de tout scénario.

Leçon 4 • Anatomie du personnage

Distinguez le désir, le besoin, la blessure et la faille d'un personnage comme les quatre moteurs du comportement. Ces couches créent un conflit intérieur qui soutient la tension dramatique tout au long d'un scénario.

Leçon 1 • Exposition et délivrance de l'information

Délivrez l'histoire antérieure et les informations sur le monde nécessaires sans exposition lourde et littérale. Apprend à déguiser l'exposition en conflit, en action ou en révélation sur le personnage.

Leçon 2 • Techniques de révision du dialogue

Appliquez des stratégies de révision ciblées pour resserrer, aiguiser et différencier les dialogues dans les brouillons ultérieurs. Instaure l'habitude de traiter le dialogue comme un élément de métier nécessitant plusieurs passages.

Leçon 3 • Voix distincte du personnage

Développez des schémas de parole, un vocabulaire et un rythme uniques pour chaque personnage, de sorte que le dialogue soit identifiable sans étiquettes de locuteur. Empêchez le défaut courant que tous les personnages se ressemblent.

Leçon 4 • Sous-texte et communication indirecte

Entraînez les auteurs à intégrer un sens sous les mots littéraux que les personnages prononcent. Le sous-texte crée une ironie dramatique, une tension et le sentiment que les personnages ont une vie intérieure.

Leçon 1 • Formats corporate et de courte durée

Formatez les scénarios AV à deux colonnes, les scénarios d'explication et les scénarios publicitaires pour un usage corporate et commercial. Les formats de courte durée exigent un alignement précis entre le visuel et l'audio sur la page.

Leçon 2 • Formats de scénario pour la scène et l'audio

Appliquez les règles de formatage distinctes pour les pièces de théâtre et les scénarios de drama audio. Ces formats privilégient la parole et la didascalie par rapport à la description visuelle.

Leçon 3 • Formatage des scénarios télévisuels

Distinguez les conventions de format pour caméra unique et multi-caméras, y compris les coupures publicitaires et les ouvertures à froid. Le formatage télévisuel varie selon les réseaux et le style de production, exigeant une flexibilité de format.

Leçon 4 • Fondamentaux du format de scénario de film

Maîtrisez les en-têtes de scène, les blocs d'action, les blocs de dialogue et les transitions pour les scénarios de longs et courts métrages. Ces conventions sont non négociables dans les contextes de soumission professionnelle de films.

Leçon 1 • Écrire pour la caméra

Traduisez les événements de l'histoire en action visuelle qu'une caméra peut capturer, en évitant les indications non filmables. Apprenez aux auteurs à penser en images sans mettre en scène sur la page.

Leçon 2 • Montage, intercutting et temps

Appliquez les séquences de montage, le montage parallèle et la compression du temps comme outils de narration scénarisée. Ces techniques condensent le temps de l'histoire et créent du sens par la juxtaposition.

Leçon 3 • Lignes d'action et description de scène

Rédigez des lignes d'action qui sont vivantes, précises et rapides à lire sans trop décrire. Des lignes d'action fortes établissent le ton, le rythme et le style visuel tout en servant l'histoire.

Leçon 4 • Scènes d'ouverture et de clôture

Concevez des scènes d'ouverture qui accrochent immédiatement et des scènes de clôture qui résonnent au-delà de l'image finale. Les premières et dernières impressions définissent la façon dont un scénario est mémorisé et évalué.

Leçon 1 • Donner et recevoir un retour

Utilisez des cadres de retour structurés pour donner des notes utiles et extraire des pistes d'action exploitables de la critique. La maîtrise du retour est une compétence professionnelle aussi importante que l'écriture elle-même.

Leçon 2 • Passage de révision structurelle

Évaluez et corrigez les problèmes narratifs de niveau macro — structure des actes, rythme et logique de l'intrigue — avant de traiter les problèmes au niveau de la ligne. La révision structurelle précède tous les autres passages de révision.

Leçon 3 • Révision des personnages et des dialogues

Auditez la cohérence des personnages, la clarté de l'arc et la voix des dialogues sur l'ensemble du scénario. Ciblez les échecs les plus courants en milieu de brouillon : la dérive de la voix et l'abandon de l'arc.

Leçon 4 • L'état d'esprit du premier brouillon

Adoptez des stratégies pour terminer un premier brouillon sans paralysie d'auto-édition. Un brouillon brut terminé est la matière première essentielle pour tout travail de révision ultérieur.

Leçon 1 • Comprendre les conventions de genre

Cartographiez les conventions structurelles, de personnages et tonales des genres majeurs et leurs contrats avec l'auditoire. La connaissance des genres permet aux auteurs de remplir, subvertir ou mélanger les conventions intentionnellement.

Leçon 2 • Art de la tension, du suspense et de l'horreur

Bâtissez et maintenez la tension par le contrôle de l'information, le rythme et l'ironie dramatique. S'applique au thriller, à l'horreur et à tout scénario exigeant une anxiété soutenue de l'auditoire.

Leçon 3 • Techniques d'écriture comique

Appliquez les mécaniques de l'écriture comique — mise en place, diversion, timing et humour basé sur les personnages. La comédie est un métier avec des règles apprenables, pas un talent réservé à quelques-uns.

Leçon 4 • Contrôle et cohérence du ton

Établissez et maintenez un ton cohérent dans les lignes d'action, les dialogues et la construction des scènes d'un scénario. L'incohérence tonale est l'une des raisons les plus courantes pour lesquelles les scénarios sont rejetés.