Cours de stop motion

Leçon 1 • Genres et styles de stop motion

Passez en revue les styles de marionnette, d'argile, d'objet, de découpage et de pixilation. Les étudiants identifient quel genre convient à un brief créatif donné.

Leçon 2 • Principes fondamentaux de l'animation

Présentez les douze principes de l'animation appliqués au stop motion. Ces principes sous-tendent toutes les techniques enseignées dans les chapitres suivants.

Leçon 3 • Aperçu du pipeline de production

Cartographiez chaque phase, du concept à l'exportation finale. Comprendre l'ensemble du pipeline évite des erreurs coûteuses dans les étapes de production ultérieures.

Leçon 1 • Logiciel de capture et peau d'oignon

Installez et configurez un logiciel de capture d'images avec superposition de peau d'oignon. La peau d'oignon est l'outil principal pour un mouvement incrémental précis.

Leçon 2 • Montage et stabilisation de la caméra

Montez les caméras sur des trépieds, des pieds de reproduction et des supports personnalisés pour une stabilité absolue. Tout mouvement de caméra entre les images détruit l'illusion du mouvement.

Leçon 3 • Choisir la bonne caméra

Comparez les reflex numériques (DSLR), les appareils hybrides et les webcams pour une utilisation en stop motion. Les critères de sélection affectent directement la qualité d'image et l'efficacité du flux de travail.

Leçon 4 • Réglages de la caméra pour le stop motion

Réglez l'exposition manuelle, la balance des blancs et la mise au point pour éliminer le scintillement. Des réglages cohérents sont la discipline technique la plus importante en stop motion.

Leçon 1 • Prévenir et corriger le scintillement

Identifiez les causes du scintillement et appliquez des solutions matérielles et logicielles. Le scintillement est le problème technique le plus courant dans l'éclairage en stop motion.

Leçon 2 • Éclairage motivé et atmosphérique

Créez un éclairage qui raconte une histoire en s'alignant sur l'ambiance narrative. Les étudiants conçoivent des configurations qui renforcent l'émotion du personnage et le ton de la scène.

Leçon 3 • Choisir les sources lumineuses

Comparez les panneaux LED, le tungstène, la fluorescence et les sources de lumière du jour pour le stop motion. Chaque type de source a des implications distinctes en matière de scintillement et de chaleur.

Leçon 1 • Texturation et peinture des décors

Appliquez de la peinture, de la pâte à texture et des matériaux trouvés pour créer des surfaces réalistes. La texture se lit différemment à la caméra qu'en personne, ce qui nécessite des tests délibérés.

Leçon 2 • Conception de décors modulaires et réutilisables

Concevez des décors avec des panneaux et sections interchangeables pour maximiser l'efficacité de la production. La conception modulaire réduit le temps de construction pour les projets multi-scènes.

Leçon 3 • Planification de l'échelle et des proportions

Calculez l'échelle du décor par rapport à la taille de la marionnette et au choix de l'objectif. Une échelle correcte crée une profondeur crédible et évite la distorsion de perspective.

Leçon 4 • Habillage de décors et accessoires

Peuplez les décors d'accessoires à l'échelle qui renforcent le récit et le personnage. Chaque accessoire doit être suffisamment stable pour survivre à une journée complète de tournage.

Leçon 1 • Conception et fabrication de l'armature

Construisez des armatures en fil de fer et à rotules qui supportent des prises de pose répétées sans fatigue. La qualité de l'armature détermine la durée de vie et l'amplitude de mouvement de la marionnette.

Leçon 2 • Principes de conception des personnages

Appliquez la silhouette, la proportion et la théorie des couleurs pour créer des personnages de stop motion lisibles. Un design fort réduit la difficulté d'animation et augmente l'engagement du public.

Leçon 3 • Construction du corps en mousse et en tissu

Sculptez le rembourrage en mousse et cousez des costumes en tissu sur l'armature. La construction en couches donne du volume aux marionnettes tout en préservant la mobilité des articulations.

Leçon 4 • Mains et travail des détails fins

Fabriquez des mains articulées capables de saisir des accessoires et de transmettre un geste. Le détail des mains élève considérablement la qualité perçue de la production.

Leçon 1 • Animation faciale et synchronisation labiale

Échangez des visages de remplacement et animez les formes de la bouche en synchronisation avec le dialogue enregistré. Une synchronisation labiale précise est essentielle à la crédibilité du personnage dans les scènes de dialogue.

Leçon 2 • Planification des mouvements avec les feuilles d'exposition

Utilisez les feuilles d'exposition et les feuilles de dopes pour pré-planifier le nombre d'images et le timing. La pré-planification évite de perdre du temps de tournage et les erreurs de continuité.

Leçon 3 • Animation du poids et du mouvement secondaire

Simulez la gravité, l'inertie et l'action qui se chevauche pour donner aux marionnettes une sensation de réalité physique. Le poids est la qualité qui sépare l'animation amateur de l'animation professionnelle.

Leçon 4 • Technique d'animation en continu

Animez image par image sans poses clés prédéfinies pour obtenir un mouvement fluide et spontané. Cette technique convient aux types de mouvements organiques et imprévisibles.

Leçon 1 • Prise de vue sur plusieurs sessions

Préservez l'état du décor et de la marionnette entre les jours de tournage pour maintenir la cohérence visuelle. Les prises de vue multi-sessions nécessitent des procédures d'arrêt et de démarrage systématiques.

Leçon 2 • Résolution des problèmes courants sur le plateau

Diagnostiquez et résolvez rapidement les chutes de marionnettes, les changements d'éclairage et les suppressions accidentelles d'images. Une résolution rapide des problèmes minimise les reprises coûteuses.

Leçon 3 • Effets spéciaux sur le plateau

Créez des effets pratiques dans la caméra, notamment le feu, la fumée, l'eau et les explosions à l'échelle miniature. Les effets dans la caméra s'intègrent parfaitement et réduisent le travail de post-production.

Leçon 4 • Planification des prises de vue et storyboard

Traduisez un scénario en une liste de plans et un storyboard qui guident chaque configuration de caméra. Une pré-visualisation approfondie élimine les incertitudes sur le plateau.

Leçon 1 • Conception sonore et musique

Ajoutez du bruitage, du son ambiant, du dialogue et de la musique pour compléter l'expérience cinématographique. Le son représente environ la moitié de la réponse émotionnelle du public.

Leçon 2 • Génériques, crédits et exportation

Concevez les génériques de début et de fin, puis exportez aux formats de livraison requis. Des paramètres d'exportation appropriés garantissent que la qualité est préservée sur toutes les plateformes de visualisation.

Leçon 3 • Montage de l'image

Assemblez les plans en une séquence cohérente, en ajustant le timing et le rythme pour le flux narratif. Le montage du stop motion diffère de la prise de vue réelle en raison du nombre d'images fixe.

Leçon 4 • Étalonnage et correction des couleurs

Corrigez les incohérences d'exposition et appliquez un étalonnage des couleurs unifié sur tous les plans. L'étalonnage des couleurs unifie les images tournées sur plusieurs jours et configurations d'éclairage.